GRANDES MESTRES - Vincent van Gogh

Biografia

O artista maldito

 Vincent van Gogh (1853-1890

       Ele passou para a história como um dos exemplos mais notórios do artista maldito, do gênio desajustado, do homem incompreendido por seu tempo, mas que foi aclamado pela posteridade. Ao longo da vida, sofreu uma série interminável de infortúnios: desilusões amorosas, crises nervosas, misérias financeiras. Foi tratado como louco, ficou várias vezes exposto à fome, à solidão e ao frio. Ridicularizado pela maioria de seus contemporâneos, hoje é considerado um dos maiores mestres da pintura universal.

      Vincent Willem van Gogh nasceu em 30 de março de 1853, em uma pequena aldeia de Groot-Zundert, na Holanda. O irmão mais velho, que também fora batizado como Vincent, nascera um ano antes, 1852, igualmente em 30 de março, mas morrera com apenas seis meses de idade. Assim, a criança recém-nascida vinha ao mundo com a responsabilidade de ocupar o lugar que o destino roubara ao primogênito.

       Por isso, van Gogh foi obrigado a abandonar cedo a escola, para ajudar no sustento da família. Filho de um pastor protestante, conseguiu aos 15 anos o emprego de empacotador e despachante de livros na cidade de Haia, numa filial da prestigiada galeria Goupil, de Paris. Ali, manteve seus primeiros contatos com a arte e com artistas.

     Foi transferido para a filial de Bruxelas e, em seguida, para a de Londres. Mas, após ser rejeitado por uma jovem inglesa pela qual se apaixonara, caiu em depressão, buscou refúgio espiritual na religião e acabou demitido. A partir de então, passou a ter uma existência mística e errante. Alternou empregos subalternos, viveu como vagabundo e foi pregar o Evangelho para camponeses e mineradores no interior da Bélgica.

     Em 1880, enfim, trocou a fé pela arte. Mas a sua inquietação existencial continuou, ainda mais intensa.

    Apaixonou-se novamente, desta vez por uma prima, que também recusou-lhe o seu amor. Em 1882, conheceu a prostituta Christine Sien, grávida e alcoólatra, com quem passou a viver durante alguns meses, até que a convivência entre os dois se tornou insuportável. Nesse período, os quadros de van Gogh ainda possuíam cores e tons predominantemente escuros.

     Após a morte do pai, em 1885, o artista nunca mais retornaria a Holanda. Fixou-se inicialmente na Antuérpia e, depois, decidiu ir a Paris, onde passou dois anos e descobriu a pintura luminosa dos impressionistas. "O ar francês limpa o cérebro e faz bem", escreveu à época, antes de decepcionar-se com a rivalidade entre os artistas locais e a vida agitada da cidade grande.

      Foi na pequena e ensolarada aldeia francesa de Arles que a pintura de Vincent van Gogh encontrou o cenário ideal para dar o grande salto artístico, a partir de 1888, apenas dois anos antes de sua morte. As cores - sobretudo o amarelo - explodiram com intensidade nas telas, mas o deslumbramento e a obsessão pelo trabalho minaram-lhe a saúde física e mental.

      Em Arles, pintou cerca de 200 quadros e fez 100 desenhos. Ficou esgotado e foi internado em um asilo, após uma série de colapsos nervosos. Em um deles, investiu contra o colega Paul Gauguin, armado com uma navalha. Terminou por decepar a própria orelha, que presenteou a uma prostituta.

      Em meados de 1890, aos 37 anos, viajou para a cidade francesa de Auvers-sur-Oise, para tentar descansar e recuperar a saúde. O médico recomendou-lhe a pintura como terapia. No dia 27 de julho, saiu em direção a um trigal, igual a tantos outros que já pintara. Mas não levava telas e pincéis, e sim uma pistola. Voltou a arma contra o próprio peito e apertou o gatilho. Não resistiu ao ferimento. Morreu por volta de uma e meia da manhã do dia 29.

      No início daquele ano, recebera uma boa notícia: finalmente um trabalho seu, o quadro "A videira vermelha", conseguira encontrar comprador.

Curiosidades

•    Cartas a Theo:Ao longo da vida, Vincent van Gogh escreveu mais de 750 cartas ao irmão, Theodore, quatro anos mais novo, mas por quem foi sustentado durante longos períodos. Nesses escritos, discorre longamente sobre seu processo criativo, sobre seu relacionamento com o irmão e amigos e sobre o avanço progressivo da loucura. A extensa e emocionada correspondência seria mais tarde reunida em livro, Cartas a Theo. No Brasil, existe uma edição de bolso da obra, editada pela L&PM.

•    O missionário:Em 1878, Vincent van Gogh tentou ingressar em um curso de teologia em Amsterdã. Pretendia seguir a mesma carreira do pai e do avô, pastores protestantes, mas foi reprovado nos exames de admissão. Não desistiu: fez um curso livre em Laeken, próximo a Bruxelas e depois mudou-se para um pequeno distrito, cujos moradores viviam do trabalho extenuante em uma mina de carvão. Como missionário, passou por várias privações, dormindo no chão e tratando de doentes incuráveis.

•    Prova de fogo:Uma das muitas paixões não-correspondidas de Vincent van Gogh foi a que nutriu pela prima, Kee Vos-Stricker, que era viúva e mantinha-se fiel à memória do marido morto. Para provar a intensidade de seu amor, Vincent submeteu-se, literalmente, a uma prova de fogo: deixou a mão sobre a chama de uma lamparina até queimá-la. A prima não se comoveu.

•    Desavenças com Gauguin:Quando mudou-se para Arles, Vincent van Gogh convidou Paul Gauguin para morar com ele naquela cidade do sul da França. Pretendia fundar, ao lado do colega, uma espécie de "colônia de artistas". O curto período em que estiveram juntos foi de grande importância para a obra posterior dos dois artistas. Mas as diferenças estéticas e as diferenças de temperamento entre os dois terminaram por provocar crises nervosas em van Gogh, que se revoltou, quis agredir Gauguin e acabou por se agredir, cortando um pedaço de sua orelha. Gauguin com intenções simbolistas pintava de memória, enquanto van Gogh fazia questão de pintar diante da natureza.

•    À luz de velas:Van Gogh pintava também à noite, no campo, ao ar livre. Para iluminar o cavalete, as tintas e os pincéis, o artista lançava mão de um singular estratagema: colocava uma fileira de velas acesas sobre a aba do chapéu.

•    Arte no sanatório:Após a temporada em Arles, o artista foi internado em um hospital em Saint-Remi-de-Provence. As obras deste período mostram ciprestes eriçados e céus turbulentos. É desta época a sua interpretação da gravura de Doret "A ronda dos prisioneiros", na qual se identifica e se retrata entre os prisioneiros.

•    Milhões de dólares:Como não tinha dinheiro para pagar modelos, Vincent van Gogh convidava amigos e conhecidos para pintar-lhes os retratos. Foram assim que surgiram algumas de suas obras mais célebres, como o "Retrato do Dr. Gachet" - Paul Gachet foi o médico que tratou dele nos últimos momentos de vida. Um século depois, em 1990, o quadro foi leiloado por mais de 80 milhões de dólares.

•    Nas telas do cinema:A vida atormentada de van Gogh tem sido um tema fértil para o cinema. Um dos grandes filmes sobre a vida do artista é Sede de viver, dirigido por Vincent Minelli, de 1956, com o ator Kirk Douglas no papel principal. O cineasta japonês Akira Kurosawa também o retratou em um dos episódios do filme Sonhos, de 1990. No mesmo ano, Robert Altman filmou Van Gogh - Vida e obra de um gênio. Em 1991, o francês Maurice Pialat, em Van Gogh, abordou os meses finais da existência turbulenta do pintor.

Contexto histórico - Sob o signo da paixão

      A rigor, a obra de Vincent van Gogh não pertence a nenhuma corrente artística específica. Na falta de uma classificação mais precisa, costuma-se incluí-la no rótulo genérico do pós-impressionismo, termo criado posteriormente para definir um grupo de artistas, de diferentes estilos e tendências, surgidos no final do século 19. Ao provocar uma ruptura com seus antecessores, anteciparam alguns pressupostos da arte moderna do século 20.

       O impressionismo originara-se em Paris, entre 1860 e 1870. A invenção e a popularização crescente da fotografia impuseram aos artistas um dilema incontornável: qual a função que restava à pintura, se o novo invento era capaz de retratar o "real" com a maior fidelidade possível? Como solução para o problema, os impressionistas propunham que as artes plásticas, em vez de sucumbir diante do advento da fotografia, deveria superar a fase realista e se concentrar em formas subjetivas de captar o mundo, dando ênfase à luz e ao movimento.

       Os primeiros trabalhos de van Gogh, feitos ainda na Holanda, revelavam uma forte preocupação social ao retratar, com tons sombrios e monocromáticos, a vida miserável dos camponeses, em um momento em que a Revolução Industrial modificava a vida nas grandes cidades e provocava uma onda de pauperização extrema na zona rural.

         Em Paris, ao entrar em contato com os impressionistas, van Gogh deixou de lado as cores escuras e passou a explorar a luminosidade e um cromatismo intenso. Mas sua arte não se submeteria aos princípios seguidos pelos colegas parisienses. Na verdade, levaria o impressionismo às últimas conseqüências, radicalizando a experiência de representação subjetiva da realidade.

        As pinceladas rápidas e enérgicas, as formas contorcidas e uso de cores primárias conferiam às telas uma dramaticidade única e revelavam a alma atormentada do artista. Van Gogh antecipava assim algumas características básicas do expressionismo, escola que romperá de vez com os padrões tradicionais de beleza. "Procuro exprimir as mais terríveis paixões humanas. Quero pintar o retrato das pessoas como eu as sinto e não como eu as vejo", dizia o artista.

 Sites relacionados

•    Museu Van Gogh - Site oficial do Museu Van Gogh, em Amsterdã, inaugurado em 1973. Contém biografia, fotos e reprodução de obras. Textos disponíveis em holandês, inglês, espanhol, italiano, alemão e japonês.

•    Masp - Aqui podem ser conferidas as obras de Vincent van Gogh que fazem parte do acervo do Museu de Arte de São Paulo, o Masp.

•    Van Gogh Gallery - Página em inglês, com muitas informações sobre o artista, incluindo biografia, cronologia e lista das principais obras, além de downloads de proteções de telas para computador.

•    WebMuseum - O site traz reproduções de dezenas de quadros de van Gogh.

•    Van Gogh's Letters - Site com cartas escritas por Van Gogh, catalogadas por data e assunto, com recurso adicional de busca por palavras. Em inglês.

•    The Vincent van Gogh Gallery - Site em ingles sob responsabilidade de David Brooks, com 2.174 obras listadas e comentadas, entre desenhos, e pinturas.

•    Website Van Gogh & Gauguin - O site é do Museu van Gogh de Amsterdam e fala da relação entre os dois , mostra os quadros produzidos neste período, correspondências e críticas.

 Principais obras

•    1. Os comedores de batatas (1885) - O quadro mais famoso da primeira fase do artista. Retrata trabalhadores em torno de uma mesa, pintados em tons sombrios.

•    2. Quarto em Arles (1888) - Pinceladas firmes e cores fortes são usadas para retratar o quarto de van Gogh em Arles, cidade que marcou sua reviravolta artística. Existem mais duas versões desta obra realizadas em 1889.

•    3. Doze girassóis numa jarra (1889) - Um dos mais conhecidos quadros da série de girassóis que van Gogh começou a pintar em Arles. Hoje está entre as obras mais valiosas do mundo.

•    4. Auto-retratos (1886-1890) - Van Gogh pintou trinta e cinco entre 1886 e 1889. Um dos mais famosos eternizou o episódio em que cortou a própria orelha: "Auto-retrato com orelha enfaixada", de 1889.

 

•    5. Noite Estrelada (1889) - Um dos quadros mais reproduzidos de van Gogh em todo o mundo, pintado em Saint-Remy-de-Provence.

 
•    6. Retrato do Dr. Gachet (1890) - Pintado nos últimos meses de vida do artista, mostra o médico que cuidou dele em Auvers-sur-Oise e que o socorreu após o tiro no peito que o levaria à morte.

Fonte:
 Texto :
Grandes Mestres

Imagens:

Entre Culturas 
Kavorka

C1
Lu Amatnecks

Orelhas perdidas

GRANDES MESTRES - Claude Monet

Biografia 

O mais dedicado impressionista

 Claude Monet (1840-1926)

     Seu pai almejava vê-lo dando continuidade ao comércio da família, um empório de secos e molhados. Ao invés disso, Claude Monet tornou-se o precursor de um movimento artístico inovador e cujo nome, "Impressionismo", começou a ser usado após uma crítica pejorativa ao seu "Impressão, Sol Levante", quadro exibido em 1872 em conjunto com obras de Renoir, Degas e Cézanne, todos amigos seus.

     Apesar de ter nascido em Paris, em 1840, Oscar-Claude Monet cresceu na cidade portuária de Havre, onde travou seu primeiro contato com a pintura através de Eugène Boudin, que lhe estimulou a trabalhar ao ar livre e sob a luz do sol, procedimento que seria fundamental no desenvolvimento de sua técnica e estilo.

       Aos 19 anos Monet volta a viver em Paris, com o objetivo de estudar pintura. Apesar do desejo do pai de vê-lo na tradicional Escola de Belas Artes, opta por ingressar no Atelier Suisse, cuja postura mais livre combinava com sua personalidade. Apesar de apreciar o desenho, Monet não concordava com a tradição acadêmica de se fazer e ensinar arte nas escolas mais tradicionais. E é nesse ambiente que viria a conhecer Camille Pissaro, através de quem seria introduzido ao círculo de Manet, Coubert e outros artistas de idéias vanguardistas.

      Em 1861 é enviado à Argélia, convocado para defender a França na guerra. Cerca de um ano depois, contando com a ajuda da tia, retorna a Paris, dando continuidade às suas "pesquisas" ao ar livre. Nessas ocasiões, costumava se encontrar com amigos artistas no estúdio de algum deles, partindo dali para bosques e campos próximos, onde passavam o dia pintando paisagens e as mudanças de tons e sombras causadas pelo movimento do sol.

      Logo Monet conheceria a jovem Camille Doncieux, que inicialmente trabalhava como modelo e acabou se tornando sua esposa. Juntos tiveram dois filhos, mas oficializaram a união somente após três anos juntos. Os primeiros tempos ao lado de Camille foram de extremo aperto financeiro. O pintor relutava em mudar seu estilo de pintar, e desse modo encontrava dificuldades para vender seus quadros. Somente depois de iniciada a Guerra Franco-Prussiana (1870), quando de sua "fuga" para Londres, que a vida de Monet começaria a melhorar.

       Na Inglaterra conhece o marchand Paul Durand-Ruel, que passa a apoiar os impressionistas e a adquirir obras do grupo. Voltando à França, em 1871, vive em Argenteuil e depois em Vétheuil, dando início ao período mais fértil de sua vida. Torna-se amigo do casal Alice e Ernest Hoschedé, milionários admiradores de seu trabalho. Mais do que isso, Monet e Alice viriam a se casar, após ambos ficarem viúvos.

        Finalmente, a mudança para Giverny: em 1883, junto da nova esposa e dos sete filhos (dois dele e cinco dela), Monet passa a viver em seu pequeno paraíso, onde construiu o lago que receberia seus famosos nenúfares, ninféias e a ponte japonesa. Lá, realizaria suas fantásticas séries de pinturas, onde os objetos que se repetiam não importavam muito: a impressão de cada momento causada ao pintor, fosse pela luz do sol, pelas sombras, reflexos ou vento, era o principal elemento transportado para as telas. Monet viveu até os 86 anos, e está enterrado no jardim de sua propriedade.

Curiosidades

•    Monet caricaturista:Ainda adolescente e morando em Havres, uma das primeiras atividades desenvolvidas pelo então jovem artista era fazer caricaturas dos locais para ganhar uns trocados. Monet não gostava de ir à escola, e estava sempre desenhando em seus cadernos. Sua atividade como caricaturista lhe valeu uma certa notoriedade, e ele passou a expor os trabalhos na loja onde comprava suas tintas e pincéis. Foi ali que conheceu o pintor Boudin, sua primeira grande influência.

•    De rio a lagoa:Em 1893, três anos depois de ter comprado a propriedade em Giverny, Monet anexou a ela um terreno que ficava nos fundos da casa. Após alguns trâmites legais conseguiu autorização para desviar um braço do rio Ru, que passava próximo à propriedade, e assim formar um pequeno lago em seu "quintal". Apaixonado pela jardinagem, Monet passou a criar flores e plantas aquáticas, e providenciou a construção de uma charmosa ponte japonesa. "Talvez eu deva às flores o fato de ter-me tornado pintor", afirmava.

•    As 50 catedrais:Durante o período passado em Rouen, instalado numa sobreloja que lhe propiciava uma magnífica visão da catedral, Monet pintou nada menos que 50 telas onde a edificação era o tema. Dentre elas, destaca-se a série de 18 telas retratando a fachada da igreja, todas vistas do mesmo ângulo. As mudanças causadas na fachada pela luz do sol, desde a hora em que nascia até o crepúsculo, eram captadas pelo aguçado olhar do pintor, que demonstrava toda sua técnica e sensibilidade ao realizar telas onde, em suas próprias palavras, "o tema é uma coisa secundária; o que eu quero reproduzir é o que existe entre ele (o tema) e eu".

•    Monet no Brasil:Em 1997 o Masp (Museu de Arte de São Paulo) realizou uma grande exposição dedicada a Claude Monet. A maioria das telas expostas era da última fase da vida do artista, isto é, trabalhos feitos em Giverny, onde ninféias e nenúfares eram "temas" recorrentes, sob as mais variadas luzes e tons. A exposição trazia 23 telas, reproduções de trabalhos importantes do pintor e uma sala dedicada às crianças, e fez um enorme sucesso, passando também pelo Rio de Janeiro.

•    Giverny para todos:Michel Monet, filho do pintor, legou em 1966 (ano de sua morte) à Academia de Belas Artes francesa a propriedade de Giverny, onde seu pai viveu por 43 anos. Em mau estado de conservação e com os jardins abandonados, a restauração do local só começaria 11 anos depois. Hoje é um lugar bastante visitado por turistas de todo o mundo, e tanto os belos jardins quanto o lago e a casa voltaram a seu aspecto original, com muitas flores, pássaros e toda a atmosfera conhecida através dos quadros do artista.

Contexto histórico - Como captar o "momento"

      Podemos chamá-lo, sem medo, de "líder" do Impressionismo. Seja porque foi um quadro seu que deu nome ao movimento, seja porque Monet era um homem de extrema sensibilidade e determinação, que sabia que estava por desenvolver uma nova maneira de representar a luz, de usar as cores e de, magistralmente, captar impressões de momentos únicos, como que aprisionando uma cena que jamais seria vista novamente daquela maneira, com aquelas tonalidades.

      Seu estilo único de pintar, com pinceladas diluídas e esparsas, demonstrava um incrível apuro técnico, já que o artista conseguia passar noções ("impressões") de luz e movimento tocando a superfície da tela poucas e precisas vezes com o pincel. Reproduzir suas próprias impressões diante de efeitos extremamente fugazes era seu maior objetivo. Seu colega, Paul Cézanne, chegou a descrevê-lo como "meramente um olho, mas, por Deus, que olho!", dada sua capacidade para captar, processar e transportar momentos efêmeros para as telas.

      Movimentos estéticos do século XX como o Abstracionismo teriam na obra dos impressionistas, em especial na maneira de pintar de Monet, uma importante fonte de inspiração.

      Claude Monet passou por três guerras importantes na história da França: primeiramente sendo enviado para lutar na Argélia, que era então uma colônia francesa. Depois, em 1870, temendo ser convocado para lutar na Guerra Franco-Prussiana, foge com a esposa e o filho para a Inglaterra (a França sairia perdedora, pondo fim ao Imperialismo e dando início à República). Finalmente, a 1ª Guerra Mundial, já que o pintor morreu somente em 1927.

Sites relacionados

•    Folha Online - Textos sobre Monet, o Impressionismo e a exposição, realizada pelo Masp em 1997.

•    Giverny Vernon - Este é o portal dedicado ao vilarejo de Giverny, na França. Traz informações turísticas e textos sobre Monet. Em inglês e francês.

•    ArtCyclopedia - Indica, através de links, museus de todo o mundo que possuem obras de Monet (em inglês).

•    The Artchive - Também em inglês, traz bons textos sobre vida e obra de Monet, sobre o Impressionismo e seus expoentes.

•    TCI Art - Esta em português, contém biografia, perspectiva histórica e obras selecionadas do pintor.

 Principais obras

•    1. "A Catedral de Rouen em Pleno Sol" (1894) - Uma das visões mais belas da catedral (entre uma série de 18), que parece derreter sob tanta luz.

 

•    2. "Ninféias" (1916-26) - Da série de ninféias do fim da vida de Monet, cuja visão, assim como as telas, parecia diluída e desfocada.

•    3. "Regata em Argenteuil" (1872) - Atenção às pinceladas que formam a água e os reflexos, de técnica extremamente arrojada e precisa.

•    4. "Impressão, Sol Levante" (1872) - Um marco. De seu título saiu o nome do movimento. Obra de pinceladas rápidas e sutis.

•    5. "Casas do Parlamento, Londres" (1905) - O céu, o Parlamento e o Tamisa formam um conjunto sóbrio e impactante.

 Fonte:
Texto: Grandes Mestres
Imagens 7 das artes
 Falar sobre arte

GRANDES MESTRES - Henri Matisse

Biografia 

O esteta da simplicidade e da cor

 Caricatura do pintor francês Henri Matisse(1869-1954) . Acrílico sobre papel.

    Aos 19 anos de idade, estudante de Direito em Paris, Henri Matisse dividia seu tempo entre o trabalho vespertino de escriturário em uma firma de advocacia e, pela manhã, as aulas em uma escola de desenho. Foi quando uma crise de apendicite o deixou um longo tempo preso à cama e assim, afastado do trabalho burocrático, começou a se dedicar com mais afinco à pintura. "Antes, o cotidiano me aborrecia. Ao pintar, passei a sentir-me gloriosamente livre e tranqüilo", ele dizia.

      Henri Emile Bernoit Matisse nasceu no último dia do ano de 1869, em Le Cateau, no norte da França. Era filho de um farmacêutico e comerciante de grãos, que sonhava em fazer do filho um próspero advogado. Contudo, Matisse preferiu abandonar a carreira jurídica e dedicar-se integralmente à pintura. Enquanto freqüentava como ouvinte a Escola de Belas-Artes, em Paris, ia ao Louvre para copiar os quadros de grandes mestres ali expostos.

      No começo, tudo parecia ir bem. Matisse teve quatro obras expostas no Salão da Sociedade Nacional de Belas Artes e foi convidado para ser membro associado da entidade. Contudo, seu flerte inicial com a estética impressionista contrariou as expectativas da parcela mais conservadora da crítica e ele passou a encontrar dificuldades em divulgar seu trabalho.

      A situação se radicalizou quando participou do célebre Salão de Outono de 1905, em Paris, ao lado de Albert Marquet, Maurice Vlaminck e André Derain, que rejeitavam a paleta suave dos impressionistas e aderiram às cores fortes e aos traços expressivos, próximos aos de Vincent van Gogh e Paul Gauguin. A crítica detestou e reagiu com violência.

      Matisse e seus colegas foram então chamados de "fauves", numa livre tradução, "bestas selvagens". Daí surgiu o termo "fauvismo", utilizado inicialmente de forma pejorativa, para definir o movimento, de duração efêmera.
       Porém, o escândalo e a controvérsia ajudaram a divulgar o nome de Matisse e a aproximá-lo de marchands mais esclarecidos e das vanguardas estéticas de seu tempo. O artista passou a vender um quadro atrás do outro e a fazer viagens pela Europa, África e Ásia, onde manteve contato com novas influências que se refletiram em seu trabalho, desde a tapeçaria oriental aos arabescos da arte islâmica.

       Mas foi na luminosa cidade de Nice, na Riviera Francesa, com suas construções brancas e o mar azul do Mediterrâneo ao fundo, que Henri Matisse encontrou seu principal refúgio. Distanciado cada vez mais dos arroubos fauvistas, o artista buscava a harmonia e a paz de espírito. "Sonho com uma arte do equilíbrio, pureza e serenidade, isenta de temas inquietantes e perturbadores", dizia. "Quero que minha arte seja como uma boa poltrona em que se descansa o corpo cansado".

         Em 1941, combalido por um câncer no intestino, Matisse foi submetido a duas cirurgias, que lhe tolheram os movimentos e o deixaram em uma cadeira de rodas. Foi nesse período que passou a trabalhar mais intensamente com uma técnica que desenvolvera desde 1937: a aplicação de tinta em papel recortado, os famosos gouaches découpées, que serviriam para ilustrar seu livro Jazz, de 1947. As fotos desta época mostram Matisse em seu quarto de hotel, com tesoura na mão e pilhas de papel colorido no chão.

        Cada vez mais recluso, cercado de plantas e de pássaros que criava livremente no quarto, Henri Matisse viveu até 1954. Seu último trabalho foi o projeto de decoração de uma pequena capela na cidade montanhesa de Vence. Para a construção, despojada e banhada de sol, desenhou vitrais azulados e murais com finos traços negros sobre azulejos brancos. Considerava ter atingido ali a plenitude da simplicidade, sua obra-prima.

Curiosidades

•    Tempos bicudos:Henri Matisse casou em 1898, com Amélie Parayre, que ajudou o marido servindo-lhe de modelo e confeccionando chapéus para complementar a renda familiar. A situação financeira do casal nos primeiros anos após o casamento era crítica, ao ponto de Matisse ter que recorrer ao emprego de assistente de cenógrafo, encarregado de pintar folhas de louro para a decoração do pavilhão onde seria realizada Exposição Universal de 1900.

•    Uma ajuda providencial:Uma das primeiras pessoas a acreditar no talento de Henri Matisse foi a escritora Gertrude Stein. Colecionadora de arte, ela comprou vários quadros do início de carreira de Matisse. Foi ela também quem o apresentou a muitos marchands parisienses, o que ajudou a divulgar o nome de Matisse entre as principais galerias da capital francesa.

•    Ilustrador de James Joyce:Matisse foi também um exímio ilustrador. Entre seus trabalhos no gênero, destacam-se as gravuras que fez para uma edição de Flores do Mal, do poeta Baudelaire, e para o romance Ulysses, de James Joyce. Em 1937, também desenhou os cenários e os figurinos para uma montagem teatral de O Vermelho e o Negro, de Stendhal.

•    Pintando na cama:Quando caiu enfermo, vitimado pelo câncer, Matisse continuou a pintar, embora passasse bom tempo na cama. Ele fixava pontas de carvão na extremidade de longas varas e, com elas, rabiscava as paredes e o teto de sua suíte no hotel Régina, em Nice.

•    Duelo de gigantes:Picasso e Matisse nutriram uma convivência baseada na competição e, ao mesmo tempo, na admiração mútua. Ambos conquistaram fãs arrebatados e radicais no mundo das artes. "Picassistas" e "matissistas" chegavam a trocar ofensas e defendiam de forma ardorosa a suposta supremacia de seu respectivo ídolo. "Ninguém nunca olhou tão atentamente para meu trabalho quanto Picasso, nem tão atentamente ao trabalho dele como eu", ponderava o próprio Matisse.

Contexto histórico - Ombro a ombro com picasso

     Matisse é considerado por muitos críticos e historiadores da arte, junto com Pablo Picasso, o pintor mais importante e revolucionário do século 20. Uma de suas maiores inovações foi libertar a cor do caráter naturalista. Em 1905, por exemplo, ao pintar o retrato de sua esposa, pôs uma sombra verde no meio do rosto dela. "Quando pinto um verde, não significa dizer grama; quando pinto um azul, não quer dizer céu", observava.

    É curioso notar que a obra de Matisse, ao contrário da de Picasso, não absorveu nenhum dos grandes momentos de tensão da história européia na primeira metade do século passado. Durante a Primeira Guerra Mundial, após não conseguir se alistar por que já havia passado da idade máxima permitida para o recrutamento, praticamente deixou de pintar, preferindo dedicar-se ao estudo do violino. Quando estourou a Segunda Guerra, já estava muito mais atormentado com a própria saúde, lamentando ter que deixar Nice por causa do avanço das tropas inimigas.

     As obras iniciais de Matisse, sobretudo "Luxo, Calma e Volúpia", de 1904, com suas pinceladas isoladas, ainda são tributárias do neo-impressionismo, embora já anunciasse uma simplificação dos traços e dos volumes. Com o tempo, sua pintura evoluirá para uma crescente busca pela pureza da forma, da linha e das cores, o que atingirá seu ponto máximo nos gouaches découpées, os trabalhos de colagem com papel recortado.

     O crítico italiano Giulio Carlo Argan afirmava que a obra de Henri Matisse era, de certo modo, uma resposta negativa ao cubismo. "Ao cubismo, que analisa racionalmente o objeto, ele contrapõe a intuição sintética do todo". Em uma das obras mais famosas do artista, "A Dança", no qual cinco figuras humanas se alongam e dançam de mãos dadas, Argan vê a suprema realização do objetivo central da trajetória artística de Matisse: expressar a máxima complexidade por meio de uma enorme simplicidade.

Sites  relacionados

•    Museu Matisse - Site com reprodução de inúmeros desenhos e telas do artista. Em inglês e francês.
•    Masp - Conheça a obra "O Torso de Gesso", que pertence ao acervo do Museu de Arte de São Paulo.
•    Henri Matisse Art Gallery - Galeria virtual, com muitas obras de Matisse, organizadas por ordem alfabética. Em inglês.
•    WebMuseum - Dados biográficos e reproduções ampliáveis de muitos quadros de Matisse. Em inglês.
•    ArtCyclopedia - Localização das principais obras do artista, em museus e galerias espalhadas pelo mundo. Em inglês.

Principais obras

1. Luxo, Calma e Volúpia (1904) - O quadro pertence à uma das primeiras fases de Matisse, ainda fortemente influenciado pelo neo-impressionismo.

2. A Janela Aberta (1905) - Exposto no Salão de Outono, que deu origem ao nome "fauvismo"

3. Madame Matisse (1905) - O abandono do uso naturalista da cor. O quadro também é conhecido como "Retrato com Listra Verde".

 

4. A Dança (1909-1910) - Uma das realizações mais notáveis de Matisse, que expressa vigor e leveza ao mesmo tempo.

5. Interior vermelho (1947) - Um dos mais expressivos dos inúmeros quadros com cenas de interiores de casas pintadas por Matisse.

6. Jazz (1947) - Série de 20 gravuras feitas em papel recortado, técnica que marcaria os últimos trabalhos do artista.

Fonte:

Texto : Grandes Mestres Folha

Imagens: 7 das artes

GRANDES MESTRES - Diego Velázquez

Biografia 

Existência tranqüila, talento nato

      A maior marca deixada pelo artista espanhol Velázquez foi seu dom em propiciar dignidade e decência a todos os personagens que retratava, fossem eles reis, mulheres, crianças ou mesmo anões e bufões.

      Diego Rodríguez de Silva y Velázquez era filho de nobres e nasceu em junho de 1599 em Sevilha, na época a cidade mais rica da Espanha devido ao seu movimentado porto. Incentivado pelo pai, estudou nas melhores escolas e, já aos 12 anos, iniciava os estudos em pintura, primeiro com Francesco de Herrera, conhecido como "el Viejo", e depois com Francisco Pacheco, que viria a ser seu sogro.

      Precoce ao demonstrar talento para as artes, Velázquez mudou-se para Madri ainda muito jovem e, aos 24 anos, já assumia o cargo de pintor oficial da corte do rei Filipe IV. Ocuparia a função até o fim da vida, o que lhe daria condições de viajar e trabalhar com tranqüilidade.

      Em 1628 tornou-se amigo do pintor holandês Rubens, que visitava Madri. Juntos, trocaram idéias sobre trabalhos do Renascimento italiano e conversaram sobre mitologia, o que aumentou o desejo de Velázquez de conhecer a Itália, terra de pintores que exerceram grande influência sobre ele, como Caravaggio, Ticiano, Tintoretto e Veronese.

      Filipe IV lhe deu permissão para viajar e, em 1629, Velázquez foi à Itália, passando por cidades como Gênova e Veneza até chegar a Roma, onde ficou por cerca de um ano. Seguiu depois para Nápoles, na época uma possessão espanhola. Especula-se que o artista tenha pintado muitas obras nesse período, mas apenas duas chegaram aos dias de hoje: "A Túnica de José" e "A Forja de Vulcano". Um Velázquez ainda mais influenciado pelos renascentistas e pela arte clássica retornou a Madri em 1631, iniciando sua fase de maior produtividade.

      Homem de vida tranqüila e comedida, Velázquez pintava com calma e lentidão, já que, por ser membro da corte real, era obrigado também a cumprir funções burocráticas. De temperamento suave, levou uma vida sem grandes reviravoltas e de produção artística relativamente pequena: menos de 150 telas suas chegaram aos nossos dias. Calcula-se, porém, que tenha pintado não mais que 200 quadros ao longo da vida, dado seu ritmo compassado. Morreu em julho de 1660, em Madri, aos 61 anos de idade. Exatamente uma semana depois morria Juana, a filha de seu mestre Pacheco, com quem se casara aos 19 anos.

Curiosidades

•    "Seguidores":"As Meninas", o trabalho mais conhecido de Velázquez, teve 44 versões feitas por Pablo Picasso. Já o pintor Goya, também espanhol, homenageou Velázquez colocando-se na obra "A Família de Carlos IV" (1800), e na mesma posição: também à esquerda, pintando um quadro. O pintor Francis Bacon, na década de 1950, fez várias versões a partir do quadro "Retrato do Papa Inocêncio X".

•    Romance na Itália:Apesar da vida recatada e tranqüila de Velázquez, um documento descoberto em 1983 revelou que uma viúva chamada Marta teria dado à luz um filho ilegítimo do artista: uma criança de colo chamada Antonio é citada no ano de 1652 (quando Velázquez tinha 53 anos).

•    Relações cruzadas:Francisco Pacheco, mestre de Velázquez durante seis anos e pai de sua esposa, é também autor do tratado Arte de la Pintura, escrito em 1649. Velázquez foi seu aprendiz dos 11 aos 17 anos, e casou-se com Juana aos 19 (ela tinha 17). Tiveram duas filhas. À época do casamento, o mestre escreveu: "Casei-o com minha filha movido por sua virtude e integridade, seus dotes e pelas promessas de um grande e inato talento".

•    Honrarias:Em 1652 Velázquez foi nomeado para o mais honroso dos cargos a que um pintor poderia chegar: "Aposentador Mayor", ou tesoureiro do rei. Porém, seu maior título alcançado foi o de Cavaleiro da Ordem de Santiago, em 1659, pouco antes de morrer. O rei Filipe IV teve que obter uma permissão especial do papa Alexandre VII para conceder a honraria ao artista. No quadro "As Meninas", Velázquez ostenta no peito a cruz vermelha característica da ordem.

Contexto histórico - Antecipando tendências

       Velázquez nasce no último ano do século 16, período em que a Espanha havia se tornado a nação mais rica da Europa graças às suas colônias no Novo Mundo. O barroco era o estilo predominante, com seus contrastes de luzes e sombras, cores escuras e carregadas. Temas religiosos ainda eram os mais representados e Velázquez, apesar de ter feito quadros com essa temática, ficaria mais famoso por sua magnífica habilidade em pintar retratos.

       Antecipando técnicas da Arte Moderna que seriam desenvolvidas por impressionistas como Manet, Renoir e Monet, o pintor sevilhano era um mestre em representar cenas e figuras que, vistas de perto, não diziam muito, por causa de suas pinceladas livres e cruas, transparentes e borradas. Porém, quando olhadas de uma certa distância, seus detalhes ganham uma dimensão e beleza impressionantes. O "todo" só é apreendido quando visto de longe, evidenciando o talento e habilidade do pintor.

      É possível afirmar, inclusive, que sua maneira realista de representação constituía, na verdade, um "falso realismo": baseava-se somente na luz refletida pelas pessoas e objetos, quadros feitos sem esboços, sem linhas e marcações previamente desenhadas e com leves toques de pincel. Daí a dificuldade em "entendê-las" olhando muito de perto. Os impressionistas, já no século 19, ficariam conhecidos exatamente por isso: reproduziam as paisagens de acordo com a luz que incidia sobre elas, fazendo uso de pinceladas soltas, pouco precisas.

     Diego Velázquez trabalhou para o rei Filipe IV por 37 anos. Ao tornar-se pintor oficial da corte, o rei tinha apenas 18 anos. Durante as viagens do artista à Itália, a família real não permitia que nenhum outro pintor fizesse retratos seus: esperavam até que Velázquez retornasse. À época de sua morte, o rei lhe proporcionou um magnífico funeral. E o império espanhol, em 1660, já dava indícios de sua decadência: era o início do fim de seu período áureo.

Sites relacionados

•    Museu do Prado - Página oficial do museu, localizado em Madri. É o maior detentor de obras de Velázquez. Em inglês e espanhol.

•    Tierra - Também em espanhol, este site de cultura traz um texto sobre a vida e a obra de Velázquez.

•    Museu de Arte Virtual CGFA - Oferece biografia e imagens ampliáveis das obras mais importantes do artista.

•    Revista Autor - Texto sobre o estilo do pintor, publicado nesta revista virtual de cultura.


Principais obras
   
•    1. "As Meninas" (1656) - Também chamado de "As Damas de Honra", é considerado seu trabalho mais equilibrado e inovador.

•    2. "A Rendição de Breda" ou "As Lanças" (1634-35) - De proporções perfeitas, está entre seus melhores trabalhos.

•    3. "Retrato do Papa Inocêncio X" (1650) - A posição do papa foi baseada num retrato do papa Paulo III feito por Ticiano.

•    4. "Vênus ao Espelho" (cerca de 1648) - Único nu remanescente de Velázquez (é sabido que ele pintou outros).

•    5. "As Fiandeiras" (1657) - A tapeçaria ao fundo ilustra uma disputa entre a deusa Atenas e Aracne, transformada em aranha após perder.

Fontes:

Imagens - 7 das artes 
Texto: Grandes Mestres Folha

GRANDES MESTRES - Edgar Degas

 Edgar Degas (1834-1917)

 Auto-retrato Edgar Degas

Fonte: Luar de Janeiro

Biografia - Um homem de verve e personalidade

     "Existe o amor e existe o trabalho, mas se tem apenas um coração". Esta frase, proferida pelo próprio Degas, reflete a escolha de vida desse excepcional artista, que viveu para a arte trabalhando incessantemente , mas que nunca teve um relacionamento amoroso "de verdade".

    Hilaire-Germain-Edgar De Gas provinha de família abastada e nasceu em 19 de julho de 1834, em Paris. Descendia, por parte de pai, de ricos banqueiros napolitanos, e sua mãe era uma americana de Nova Orleans. Filho de apreciadores de música e artes plásticas, foi privilegiado por desfrutar do incentivo do pai, que permitiu que o jovem artista transformasse um dos quartos do apartamento em ateliê.

       Foi também com o apoio do pai que o jovem Edgar abandonou a faculdade de Direito para se dedicar exclusivamente à arte: discípulo do pintor Félix-Joseph Barrias e depois de Louis Lamothe (que havia sido discípulo de Ingres), Degas logo realizaria viagens à Itália, passando por Roma, Assis, Orvieto e Nápoles. É dessa época seu notável retrato "A Família Bellelli", onde podemos notar uma "tensão" na expressão de seus tios, que viviam em Florença. Durante suas viagens à Itália (três em quatro anos), se empenha no estudo de artistas renascentistas, cuja maneira de desenhar seria de fundamental influência para o pintor.

        Na sua volta a Paris, em 1862, conhece Édouard Manet, que viria a ser seu grande amigo e lhe apresentaria ao círculo de artistas que algum tempo mais tarde formaria o grupo dos "impressionistas". Homem de personalidade arredia e fechada, Degas tinha forte tendência para a melancolia, além de uma língua ferina. Chegou a ser apelidado de "Urso", dado o "perigo" que corriam aqueles que dele se aproximavam.

        Sua proposital reclusão, porém, foi fundamental para que desenvolvesse seu apurado método artístico: incansáveis croquis e esboços eram feitos antes de cada tela. Ainda que muitas vezes apresentasse trabalhos de aparente simplicidade e casualidade, era através de muito estudo que conseguia atingir seu objetivo: obras quase "fotográficas", com cenas que parecem captar um momento único e inesperado, impressões efêmeras (daí sua inclusão entre os impressionistas) de uma espontaneidade calculada. "O que faço é resultado da reflexão e do estudo dos grandes mestres, não sei nada a respeito da inspiração", afirmava.

        Ao contrário dos impressionistas mais "puros", gostava de trabalhar dentro de seu estúdio, fazendo uso de iluminação artificial. Era desse modo que conseguia apurar os traços do desenho. Seu objetivo era conciliar técnicas tradicionais com temas de sua época: personagens comuns como bailarinas, cavalos, mulheres trabalhando ou em momentos de intimidade eram seus preferidos.

        Nos últimos anos de vida Degas foi progressivamente perdendo a visão, o que fez dele uma pessoa ainda mais reclusa e de difícil convivência. Isolado e com poucos amigos, viria a morrer em 27 de setembro de 1917, na Paris onde sempre viveu.

 Curiosidades

•    Amor peculiar :Ainda que não se tenha conhecimento de qualquer relacionamento duradouro de Degas com alguma mulher, o pintor tinha verdadeira adoração pela figura feminina. Além de suas séries de pinturas e esculturas de bailarinas, realizou diversos nus de mulheres em momentos bastante íntimos, geralmente no banho, em posições inesperadas e por vezes esdrúxulas. Sua longa amizade com a pintora americana Mary Cassatt também suscitou boatos de que seriam amantes, boatos nunca confirmados, porém.

•    Bailarinas:Degas exibiu somente uma escultura durante a vida: a "Pequena bailarina aos 14 anos", de 1881. A obra causou reações negativas em críticos e artistas, dado seu extremo realismo. A bailarina usava roupas de verdade e tinha até uma peruca. O artista se baseou numa menina pobre que freqüentava aulas de balé, e cuja irmã era prostituta. Especula-se que a própria modelo, posteriormente, também viria a trabalhar como prostituta para se sustentar.

•    No Brasil;O Museu de Arte de São Paulo possui uma fantástica série de 73 bronzes de bailarinas de Degas, fundidas por marchands entre 1912 e 1921. Em 2006, o museu realizou uma exposição dedicada ao artista, intitulada "Degas: O Universo de um Artista", com 196 peças (120 de sua autoria, entre pinturas, desenhos e esculturas; a mostra abrangia também trabalhos de artistas que o influenciaram ou que foram influenciados por ele, como Ingres, Corot, Toulouse-Lautrec e Picasso).

•    Carroceiros:Quando estava com 56 anos e já sentindo sua vista piorar, Degas empreendeu uma feliz viagem de carroça pela região da Borgonha, na França, juntamente com seu amigo Paul Bartholomé, que era escultor. Juntos percorreram diversas cidades, totalizando 567 quilômetros de percurso. Levados apenas por um cavalo branco, os artistas iam parando de cidade em cidade, onde apreciavam a comida local e por vezes eram recebidos até com honrarias cívicas.

•    Japão, Londres e Nova Orleans:Além da Itália, Degas foi influenciado por elementos desses três locais: era um ávido colecionador de estampas e ilustrações japonesas, das quais tirou inspiração para retratar suas mulheres se banhando, por exemplo; em Londres, tomou conhecimento das paisagens de John Constable, e em Nova Orleans, onde passou vários meses, conheceu a atmosfera das bolsas de mercadorias, cada vez mais importantes na então crescente sociedade industrial. Ali pintou "A Bolsa de Algodão de Nova Orleans", de temática inovadora para a época.

Contexto histórico - Um impressionista bissexto

        Edgar Degas foi um típico artista do século 19: época de grandes mudanças geopolíticas, avanços tecnológicos e, no caso de pintores como ele, grandes mudanças na maneira de se fazer arte. O Realismo, em oposição ao Romantismo, baseando-se na razão, no desenvolvimento da ciência e no retrato da realidade, era a corrente "do momento". E os Impressionistas, grupo onde Degas geralmente é enquadrado, foram revolucionários ao propor uma nova maneira de pintar, onde o movimento e a luz eram os elementos mais importantes das obras, com pinceladas mais soltas e ligeiras, fugindo da maneira "clássica" e acadêmica de fazer arte. Pintar à luz do sol era outra característica desses artistas.

        Degas, por vezes, gostava de se classificar como um pintor "realista". Numa de suas declarações, porém, chegou a afirmar: "Feliz de mim, que não encontrei o meu estilo, coisa que me faria muita raiva!". Obcecado pelas linhas de Ingres, mesclou em seu trabalho diversos conhecimentos das artes clássicas, de inspiração renascentista, com inovações típicas dos pintores de sua época, como a maneira diáfana de usar a tinta e a preferência por retratar cidadãos comuns, populares, desconhecidos. O Impressionismo seria o estopim para diversos movimentos de ruptura da Arte Moderna.

       Das oito Exposições Impressionistas realizadas entre 1874 e 1886, Degas participou de sete. Porém, em vida, teve apenas uma mostra individual concretizada. Seu verdadeiro reconhecimento viria apenas após sua morte. Nessa ocasião, a Europa vivia os horrores da 1ª Guerra Mundial. Por sinal, algumas décadas antes, por volta de 1870, o artista serviu no setor de artilharia durante a guerra Franco-Prussiana, da qual a França sairia perdedora e teria início a República.

Sites relacionados

•    The Edgar Degas Website – Museu permanente dedicado ao artista francês.

•    Masp - Seção do site do Masp dedicada à bela exposição realizada pelo museu em 2005.

•    OCAIW - Também em português, este site traz biografia, livros indicados e diversas imagens de trabalhos do artista.

•    The Artchive - Este site contém textos e ensaios bastante interessantes sobre a vida e a obra de Degas. Em inglês.

•    ArtCyclopedia- Esta página lista museus pelo mundo que contêm trabalhos de Edgar Degas.

 Principais obras

•    1. "A Aula de Dança" (1873-75) – Inovador por retratar jovens durante um ensaio rotineiro, muitas delas em posições casuais, banais.

•    2. "Pequena Bailarina aos 14 anos" (1881) – Feita a partir de uma garota pobre e "anônima". Inovadora por "vestir" roupas e peruca.

 Esta obra esta no MASP - São Paulo/Brasil (Veja no Site MASP)

•    3. "Depois do Banho" (1888-92) – Um dos muitos trabalhos de Degas que "flagra" uma mulher desconhecida em pose de extrema intimidade.

•    4. "Mulheres Passando Roupa" (1884) – Quem imaginaria retratar passadeiras comuns? Uma delas, inclusive, está bocejando no "instante" do quadro.

•    5. "Os Jovens Espartanos" (1860) – Um dos primeiros trabalhos de Degas a ganhar reconhecimento. O tema clássico seria logo abandonado por ele.

Algumas obras:

 

Mais informações no site: Cores Primarias

 Auto-retatro - Degas - 1900

Imagens : 7 das artes

Texto: Grandes Mestres

Monalisa

 Encontrei algumas variações de Monalisa em alguns sites. Incrível!! Para esta obra existe vária re-leituras e revisitamentos... fora as cópias.

Abaixo alguns exemplos:

 

Feita de Lego

 Basuiat

Vik Muniz, feito de pasta de amendoim e geléia.

Salvador Dali

Naoto Hattori

Apropriação de Marcel Duchamp. L.H.O.O.Q.

Ele se apropriou de alguns cartões postais e ver algumas intervenções com canetas como bigodinho. Vai me dizer que você nunca fez isso em imagens de revistas e fotografias? pois é ele fez e é chamado de arte. Incrível! 

Andy Warhol

Fonte: Imagens: Modelando Arthe

GRANDES MESTRES - Pablo Picasso

Pablo Picasso (1881-1973) 

Biografia - Uma vida entre mulheres

        Ele amou as mulheres com a mesma intensidade com que produziu sua obra. Alguns críticos e historiadores chegaram a mostrar a coincidência, de forma um tanto quanto esquemática, entre as fases de sua carreira e os romances que protagonizou. Embora esta pareça uma interpretação arriscada e simplista, o próprio Picasso fazia questão de estabelecer relações diretas entre sua vida privada e os rumos de seu trabalho artístico. "Pinto da mesma forma como outros escrevem uma autobiografia", dizia.

        Nascido em 1881, em Málaga, Espanha, Pablo Picasso era filho de um professor de desenho e, desde cedo, demonstrou um talento singular para as artes. Quando tinha 14 anos, seus pais mudaram-se para Barcelona, onde montou seu primeiro ateliê e conviveu com os intelectuais e boêmios da cidade.
Aos 20 anos, viajou para Paris, onde levou uma vida espartana, dividindo um pequeno quarto com o poeta e jornalista Max Jacob. São desta época de sérias dificuldades financeiras, entre 1901 e 1905, os quadros de sua chamada "fase azul", caracterizada pela melancolia estampadas no rosto das figuras humanas que pintava.

        A "fase azul" teve fim quando entrou em cena, na vida de Picasso, a bela Fernande Olivier, uma mulher exuberante, que trabalhava como modelo para vários artistas. É quando surge, entre 1905 e 1906, a chamada "fase rosa" de seu trabalho, na qual predominaram os temas circences, com figuras recorrentes de dançarinos, acrobatas e arlequins.

       Mas foi em 1907 que Picasso deu a grande virada em sua carreira, ao produzir uma obra que viria revolucionar todo o cenário artístico da época: Les Demoiselles d’Avignon, marco fundamental da estética cubista. O quadro tem nítida influência das pesquisas de Picasso sobre a arte ibérica e africana, além de revelar seu contato com a obra de Matisse e Cézanne. É nessa síntese de referências que o pintor vai buscar os ingredientes necessários para compor o quadro célebre, que implodiu conceitos básicos das artes até então, como a perspectiva e o sombreado para expressar volume. Mas houve quem visse em um novo romance de Picasso, com outra bela mulher, Marcelle Humbert, as motivações para essa explosão criativa do artista.

       Em 1915, Marcelle morreu tuberculosa e, três anos depois, Picasso casou com a bailarina Olga Koklova, que lhe deu o primeiro filho, Paul. O casamento durou 20 anos, embora o coração instável de Picasso tenha começado a bater muito antes pela jovem Marie-Thérèse Walter, de apenas 17 anos, com quem manteve um tórrido caso de amor. O divórcio de Picasso e Olga foi traumático, com disputas judiciais que levaram o artista a ser impedido de entrar em seu próprio ateliê e a perder para a ex-mulher a posse do Château de Boisgeloup, onde ele e a lolita Marie-Thérèse encontravam-se às escondidas.

      Segundo uma das biógrafas de Picasso, Antonina Vallentin, foi por causa do romance com Marie-Thérèse Walter que Picasso modificou mais uma vez sua maneira de pintar: "É para ela que inaugura o seu modo de composição linear, com curvas sinuosas que reproduzem os movimentos sutis do corpo da amada". Ao mesmo tempo, Picasso passou a retratar Olga Kaklova como um monstro abominável.

       Picasso ainda dividia os lençóis com Marie-Thérese quando apaixonou-se pela fotógrafa Dora Maar, que lhe servirá de modelo para a figura da "Mulher que chora", no célebre painel "Guernica". Manteria o relacionamento amoroso com Dora até 1943, ano em que conheceu mais uma de suas musas, a também pintora Françoise Gilot, que foi a única mulher a abandoná-lo, dez anos depois, em 1953. Com 72 anos, Picasso resolveu casar mais uma vez, com Jacqueline Roque, 35 anos mais nova do que ele.
Morreu em 1973, aos 91 anos de idade, com problemas na visão, na vesícula e na próstata.
Curiosidades

•    Nascido morto:Os biógrafos de Pablo Picasso afirmam que, ao nascer, ele foi considerado um natimorto. Após sair do ventre da mãe, o bebê não apresentou sinais de respiração ou de batimentos cardíacos. Um tio, o médico Salvador Ruiz Blasco, tentou reanimar a criança e baforou a fumaça de seu charuto sobre o rosto dela. Para surpresa de todos, o recém-nascido reagiu e começou a chorar.

•    Nome quilométrico:Depois do incidente durante o nascimento do pequeno Pablo, a família quis garantir a proteção dos céus para o filho e reuniu, na hora do batismo, uma série de referências a santos protetores. É por este motivo que o nome completo do artista era enorme: Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispin Crispiniano de la Santisima Trinidad Ruiz Blasco Picasso y Lopez.

•    O suicídio do amigo:O choque emocional provocado pelo suicídio de um amigo, o pintor Carlos Casagemas, em 1901, por causa de uma desilusão amorosa, é considerado um dos motivos que desencadearam a melancólica "fase azul" de Pablo Picasso. Casagemas havia sido rejeitado por uma jovem chamada Germaine, que havia posado para alguns quadros de Picasso. Após a morte do amigo, Picasso pintou várias obras em homenagem a Casagemas.

•    Arte atirada ao fogo:No início da carreira, quando ainda dividia um pequeno quarto com o poeta e jornalista Max Jacob em Paris, Pablo Picasso passou por muitas privações. Durante um inverno mais rigoroso, para escapar do frio, foi obrigado a queimar alguns de seus desenhos para manter o cubículo aquecido.

•    "Foi o senhor que fez isso?":Uma das obras mais célebres de Picasso, o mural "Guernica", foi encomendada pelo governo espanhol para o pavilhão daquele país na Exposição Internacional de Paris, em 1937. As imagens dramáticas que concebeu retratam o bombardeio dos aliados nazistas de Ferdinando Franco sobre a cidade espanhola de Guernica, durante a Guerra Civil Espanhola, que precedeu à Segunda Guerra Mundial. Consta que, quando da ocupação nazista na França, o embaixador alemão teria perguntado com desdém a Picasso, diante de uma foto de "Guernica": "Foi o senhor que fez isso?". Ao que Picasso teria respondido: "Não, foram vocês".

•    Picasso e Einstein:Não foram poucos os críticos e historiadores da arte que tentaram estabelecer relações entre a fase cubista de Picasso e a Teoria da Relatividade de Albert Einstein. Segundo defendem os adeptos da tese, as experiências estéticas do cubismo, sobretudo aquelas relacionadas à exploração do espaço e do tempo, teriam sido influenciadas pelas pesquisas científicas de Einstein. Ao representar objetos e rostos humanos de frente e de perfil ao mesmo tempo, por exemplo, Picasso estaria trabalhando o conceito de quarta dimensão e da simultaneidade, corroborando a teoria relativista de Einstein, segundo a qual o tempo não pode ser encarado como um fluxo, mas como uma faceta da realidade.
Contexto histórico - "Eu não aprimoro, eu sou"

       Pablo Picasso dizia que passou a vida inteira para aprender a desenhar como uma criança. De fato, seus trabalhos de juventude seguiam à risca os padrões acadêmicos. Aos 15 anos, fez um retrato de sua mãe que comprova um domínio perfeito sobre a técnica do desenho e da pintura tradicional.

         Nos quadros de suas duas primeiras fases, a "azul" e a "rosa", também demonstrou um inegável requinte formal, até que decidiu subverter os conceitos consagrados de harmonia e todos os padrões de beleza estética, ao pintar as figuras propositalmente distorcidas e fragmentadas de Les Demoiselles d’Avignon.

         Impossível não notar a influência de Paul Cézanne na ruptura que Les Demoiselles provocou em relação a todas as convenções e dogmas da arte ocidental, abrindo caminho para as experiências do cubismo. Ao mesmo tempo, é interessante notar que o conjunto da obra de Picasso não pode ser reduzido a nenhum movimento específico, embora sua busca por novas formas de expressão tenha mantido conexões e sido cortejada por membros de diferentes vanguardas da arte moderna: cubistas, surrealistas, expressionistas e abstracionistas, entre outros.

        O próprio Picasso rejeitava solenemente qualquer idéia de que houvesse um sentido evolutivo no cerne de seu trabalho. "Eu não procuro, eu acho", dizia. "Eu não aprimoro, eu sou", reforçava. Por isso mesmo, permitia-se lançar mão dos mais variados estilos, sem que isso significasse a busca de uma linha progressiva de um ponto específico para outro. "Os diversos estilos que empreguei em minha arte não devem ser considerados como uma evolução, ou passos rumo a um ideal desconhecido de pintura. Quando queria expressar algo, não o fazia pensando no passado ou no futuro".

        Pablo Picasso demonstrava absoluta consciência de sua contemporaneidade: "Aliás, não há, na arte, nem passado nem futuro. A arte que não estiver no presente jamais será arte". Como bem observou o crítico e poeta mexicano Octávio Paz, a vida e a obra de Picasso confundem-se com a própria história da arte no século 20: "Ele foi, por excelência, o pintor de seu tempo, com seu inconformismo, negações e dissonâncias. Seus contemporâneos reconheciam-se em suas obras, embora nem sempre as entendessem".

Sites relacionados
•    Fundação Pablo Picasso - Portal oficial da entidade, localizada em Málaga, cidade onde nasceu Picasso. Em inglês, francês e espanhol.

Principais obras
1. Les Demoiselles d’Avignon (1907) - A obra que modificou a história da pintura no século 20. Na época, provocou choque geral por causa da ousadia.

2. Guernica (1937) - A obra mais divulgada e reproduzida de Picasso, sobre os horrores da guerra civil espanhola.

3. Mulher sentada (1937) - Um dos muitos retratos que Picasso fez da amada Marie-Thérèse.

4. Dora Maar com Gato (1941) - Outra musa de Picasso, a fotógrafa Dora Maar, também foi modelo para muitas obras do artista.

5. Pomba da Paz (1949) - Desenho célebre, que marca a aproximação de Picasso com a doutrina comunista.

Fontes:

Texto: Grandes Mestre Folha


Imagens:
7 das artes

Art And Faith

Aido Bonsai